sábado, septiembre 05, 2026

Toscana Project 2026 - 02 #Emeshing #cronica #viaje #Florencia #Firenze #project #Fiorentina #historia #Italia #Toscana

Esta segunda entrega es la continuación de Toscana Project 2026 - 01 (en Emeshing.com)

Empezamos el día como toca en Italia, desayunando a base de paninis, muy ricos,  pero también bastante caros. Zumo de naranja, café con leche y a empezar a patear Florencia, que probablemente sea una de las ciudades más bonitas de Italia.

Antes de seguir con la visita, vale la pena entender un poco de dónde viene todo lo que estamos viendo.

Florencia nació como Florentia, una colonia romana fundada tradicionalmente en el año 59 a. C., en tiempos de Julio César. Su situación no era casual: estaba junto al río Arno y en un punto estratégico de las rutas que comunicaban Roma con el norte de la península italiana. La ciudad romana creció siguiendo el clásico trazado de calles perpendiculares, y todavía hoy parte del centro histórico conserva aquella estructura.

Con la caída del Imperio romano llegaron siglos bastante más movidos. Florencia pasó por manos de ostrogodos, bizantinos, lombardos y francos, perdiendo durante un tiempo buena parte de la importancia que había tenido.

El gran cambio llegó alrededor del año 1000, cuando Hugo de Toscana favoreció Florencia como centro político de la Toscana frente a Lucca. A partir de ahí la ciudad empezó a despegar.

Un siglo después, Florencia ya funcionaba prácticamente como una comune, una especie de ciudad-estado con bastante autonomía. En 1138 aparece gobernada por doce cónsules, asistidos por un Consejo de los Cien, formado en buena parte por miembros de las familias comerciantes más poderosas.

Y aquí empieza a explicarse buena parte de la Florencia que vemos hoy. Durante la Edad Media, la ciudad se convirtió en uno de los principales centros comerciales, financieros y culturales de Europa. Florencia hizo fortuna con la lana, la seda, el cuero y, sobre todo, con una red de comerciantes y banqueros que operaba mucho más allá de Italia.

Por cierto, lo del cuero todavía se nota. Hay tiendas, talleres y mercados dedicados al cuero prácticamente por todas partes.

Los comerciantes y artesanos se organizaban en poderosos gremios, las famosas Arti, que no solo controlaban buena parte de la actividad económica y política de la ciudad, sino que también financiaban iglesias, edificios y encargos a artistas. Y esto es fundamental para entender Florencia: el dinero del comercio acabó transformándose en arte.

Pero la historia tampoco fue siempre brillante. En 1348, la peste negra golpeó brutalmente la ciudad y se calcula que pudo acabar con alrededor de la mitad de su población.

Florencia sobrevivió, volvió a enriquecerse y poco después entraría en una etapa que cambiaría para siempre la historia de Europa: el Renacimiento. Pero para llegar hasta ahí primero tenemos que hablar de una familia que acabaría controlándolo casi todo en Florencia. Los Medici, que explicaré en el siguiente post pues fue el hilo conductor del free tour que teníamos a continuación.

Podéis seguir leyendo más sobre mi crónica del viaje en  Toscana Project 2026 - 03 (en Emeshing.com)


viernes, septiembre 04, 2026

Toscana Project 2026 - 01 #Firenze #Florencia #Toscana #project #viaje #emeshing #cronica

Me suena el despertador a las 3:30am de la madrugada, y es como si hubiera dormido, como si ya estuviera despierto...

Me levanto rápido para tomar un café y darme un ducha rápida, antes de despertar a la familia. Intento cerrar las Cabin Zero sin dejarnos nada importante dentro de casa, y salir corriendo al aeropuerto de Barcelona Josep Tarradellas.

A las 5:00 ya estábamos en el aeropuerto, y sorprendentemente, nos encontramos a mucha más gente de la esperada en la zona de Vueling, bastante más de la que uno espera encontrar a esas horas de la madrugasa. Aunque el autoetiquetaje de las maletas iba rápido, no tuvimos suerte pues la primera máquina decidió fallar justo cuando tenía que imprimir la etiqueta para nuestra única maleta a facturar. Por suerte la segunda máquina, segundo intento y esta vez sí pudimos imprimir y colocarla en la maleta.

En el control de seguridad usamos la zona de familias habilitada en el aeropuerto, que creo que es de lo que funciona mejor y más se agradece, pues no todos los aeropuertos lo brindan a sus pasajeros. Delante nuestro, una pareja con cuatro niños parecía estar mudándose a otro país: maletas, bolsas, mochilas y media casa pasando por las cintas. Nosotros tampoco salimos completamente indemnes. Algo pitó y tocó control aleatorio, incluidos los niños y sus manos. Todo correcto y seguimos adelante.

Superado el control, llegó uno de esos clásicos universales de cualquier aeropuerto: el desayuno a precio de experiencia gastronómica premium. Primera clavada oficial del Toscana Project.

El vuelo salió más o menos en hora y, en una hora y media después, estábamos aterrizando en Firenze (Toscana - Italia) -Aeroporto di Firenze-Peretola -Aeroporto Amerigo Vespucci. Primera pequeña victoria del viaje: la maleta apareció puntual, justo cuando llegamos a la zona de recogida de equipaje del aeropuerto de Florencia. Siempre parece una tontería hasta que estás mirando la cinta y empiezas a ver cómo todo el mundo se va menos tú.

Así que el siguiente objetivo era llegar al hotel para descargar el equipaje. Muy bien el transporte de este tranvía en Florencia! El tranvía T2 conecta directamente el aeropuerto con la ciudad y teníamos una parada muy cerca del hotel. Compramos el billete online prácticamente al subir, unos 2 euros por persona, y en marcha. Entré en la aplicación web en at-bus.it por la que se puede acceder a la compra de los tickets vía Blink y Apple Pay.


Además descubrimos un pequeño bonus, el billete dura 90 minutos desde que lo activas. Así que, una vez descargadas las cosas, todavía pudimos aprovecharlo para continuar en transporte público hasta el centro y ahorrarnos parte de la caminata. Así que con el mismo billete nos fuimos a por un autobús, creo que el C-4 que nos llevó hasta la Chiesa Retoria Santa Maria Maggiore. Y de allí andando por el centro llegamos al impresionante Duomo de Firenze!!!


Después de levantarnos a las 3:30, aeropuerto, controles, vuelo, maletas y tranvía, por fin estábamos allí en la bonita Florencia. Ahora sí empieza el Toscana Project 2026.

Mañana más en Toscana Project 2026 - 02 (en Emeshing.com)


Andares gitanos: color, movimiento y misterio en Anglada Camarasa #Anglada #AngladaCamarasa#AndaresGitanos #DemarcheGitane #museo #MuseoSofia #ReinaSofia #art #arte #cuadro #pintura

Pintado en 1902, Démarche gitane, conocido en castellano como Andares gitanos, es uno de esos cuadros que llaman la atención desde lejos. Su autor, Hermen Anglada Camarasa, construye una escena nocturna dominada por varias mujeres que avanzan entre la oscuridad. No sabemos exactamente de dónde vienen ni hacia dónde se dirigen, pero sus vestidos, sus gestos y su forma de caminar convierten un momento cotidiano en una imagen llena de ritmo y teatralidad.


La gran protagonista es la mujer situada a la derecha. Su vestido amarillo parece emitir luz propia y destaca de manera espectacular sobre el fondo verde oscuro. Las flores rosas, los pliegues de la tela y la larga cola del traje están pintados con una materia muy espesa, casi rugosa. Anglada Camarasa no busca reproducir cada detalle con precisión fotográfica: le interesa mucho más transmitir el peso del vestido, el movimiento del cuerpo y la intensidad del color.

A la izquierda, las otras figuras aparecen parcialmente envueltas en sombras. Sus rostros apenas se distinguen y sus cuerpos parecen fundirse con la noche. Esta falta de definición aumenta la sensación de misterio. Más que retratar a personas concretas, el artista crea una sucesión de siluetas, manchas luminosas y tejidos ornamentados. La escena parece captada durante un paseo, a la salida de una fiesta o antes de una actuación.

Anglada Camarasa nació en Barcelona en 1871, se formó en la Escuela de la Llotja y posteriormente se instaló en París. Allí entró en contacto con la vida nocturna de la Belle Époque y con una pintura más moderna, influida por artistas como Degas y Toulouse-Lautrec. Durante aquellos años desarrolló un estilo muy personal, basado en los ambientes nocturnos, las figuras femeninas y un uso del color tan intenso que anticipaba algunos rasgos del futuro fauvismo.

En Andares gitanos, el tema sirve sobre todo como punto de partida para experimentar con la belleza visual. La indumentaria se transforma en una explosión decorativa de amarillos, rosas, verdes y negros. Incluso las piedras del suelo parecen acompañar el paso de las mujeres, creando una especie de compás visual. El cuadro no representa una acción importante, pero consigue que el simple hecho de caminar tenga algo de danza.

Vista desde la sensibilidad actual, la obra también refleja la fascinación de muchos artistas europeos de aquella época por aquello que consideraban exótico, popular o alejado de la vida burguesa. Esa mirada estaba marcada por los estereotipos culturales de comienzos del siglo XX. Por ello, el cuadro nos habla tanto de las mujeres representadas como de la imaginación artística y social del pintor.

Andares gitanos es, en definitiva, una obra construida alrededor del color, la sensualidad de las telas y el movimiento. Anglada Camarasa convierte la oscuridad de la noche en un escenario y los vestidos en auténticos protagonistas. El cuadro, un óleo sobre lienzo de 113,5 por 146 centímetros, forma parte de la colección del Museo Reina Sofía. 


jueves, septiembre 03, 2026

Las 12 claves que diferenciarán a las empresas preparadas para la inteligencia artificial (by McKinsey) #inteligencia #artificial #AI #IA #tecnologia

La inteligencia artificial ya no es únicamente una cuestión tecnológica. Durante los últimos dos años hemos visto cómo prácticamente todas las empresas han empezado a experimentar con copilotos, asistentes, automatizaciones y modelos generativos. Sin embargo, la realidad es que muy pocas organizaciones están consiguiendo transformar realmente su negocio gracias a la IA.

Un reciente análisis de McKinsey resumía esta diferencia en doce ideas que explican qué hacen distinto las compañías que sí están consiguiendo reconfigurarse para esta nueva etapa tecnológica. Y probablemente el punto más importante es que ninguna de estas claves habla únicamente de modelos o algoritmos. Hablan de liderazgo, velocidad, organización, datos, confianza y aprendizaje continuo.

Porque la verdadera transformación de la IA no ocurre en el laboratorio. Ocurre dentro de las empresas.

1. La tecnología sola no crea ventaja

Durante años muchas organizaciones pensaron que incorporar nueva tecnología era suficiente para diferenciarse. Pero la historia demuestra que las ventajas sostenibles no provienen únicamente de comprar herramientas, sino de desarrollar capacidades internas difíciles de replicar.

Con la IA ocurre exactamente lo mismo. Los modelos acabarán estando disponibles para todos, pero no todas las empresas tendrán la misma capacidad para integrarlos en productos, operaciones o decisiones estratégicas. La ventaja no estará en el acceso a la tecnología, sino en la capacidad organizativa para explotarla.

2. El impacto económico debe ser visible

Uno de los grandes riesgos actuales es caer en proyectos de IA que generan mucho ruido interno pero poco impacto real. Muchas iniciativas producen demos espectaculares, aunque sin capacidad de mover indicadores relevantes de negocio.

La IA debe centrarse en puntos concretos de apalancamiento económico: mejorar productividad, acelerar ingresos, reducir tiempos, optimizar operaciones o mejorar experiencia de cliente. Si el valor creado no es medible, probablemente la iniciativa esté mal enfocada.

3. Si no transforma el negocio, no sirve

Automatizar tareas pequeñas puede generar eficiencia, pero transformar realmente una organización requiere afectar elementos centrales del negocio. Productos, servicios, operaciones, supply chain, atención al cliente o toma de decisiones.

La IA empieza a tener sentido estratégico cuando deja de ser un experimento periférico y se convierte en parte del modelo operativo de la compañía. Ahí es donde aparece la verdadera transformación.

4. Los líderes deben entender la IA

No es necesario que todos los directivos sepan programar modelos, pero sí que comprendan suficientemente la tecnología como para tomar decisiones informadas. Qué riesgos existen, dónde está el valor, qué procesos pueden rediseñarse y qué limitaciones siguen existiendo.

Muchas compañías todavía delegan completamente la IA al departamento tecnológico. Pero igual que Internet dejó de ser un tema exclusivo de IT hace décadas, la inteligencia artificial se está convirtiendo en un asunto puramente estratégico.

5. Toda transformación tecnológica es humana

La IA no cambia empresas por sí sola. Cambia la forma en que las personas trabajan dentro de ellas. Y eso implica adaptación, aprendizaje y resistencia al cambio.

En muchos casos el problema no es técnico, sino cultural. Equipos que no entienden la herramienta, miedo a la sustitución, procesos rígidos o falta de incentivos para cambiar hábitos. La tecnología avanza muy rápido, pero las organizaciones siguen evolucionando a velocidad humana.

6. La velocidad se convierte en ventaja competitiva

En entornos de IA, la velocidad organizativa empieza a ser una ventaja diferencial. La capacidad de probar, aprender, adaptar y desplegar mejoras rápidamente puede marcar diferencias enormes frente a competidores más lentos.

Esto no significa actuar sin control, sino reducir burocracia innecesaria y facilitar ciclos de aprendizaje más rápidos. Las empresas que tardan dos años en validar iniciativas probablemente lleguen tarde a muchos cambios estructurales.

7. Las plataformas tecnológicas son estratégicas

La IA necesita infraestructura sólida. Datos accesibles, plataformas escalables, integración entre sistemas y capacidad de gobernanza. Las organizaciones que siguen operando con arquitecturas fragmentadas tendrán muchas más dificultades para escalar casos de uso.

Durante años muchas plataformas fueron vistas únicamente como costes tecnológicos. Ahora empiezan a entenderse como activos estratégicos que condicionarán la capacidad futura de innovación.

8. Los datos deben ser consumibles

La inteligencia artificial depende completamente de los datos. Pero no basta con acumular información; hace falta que los datos sean accesibles, gobernados, comprensibles y reutilizables.

Aquí aparece uno de los grandes retos de muchas organizaciones: enormes volúmenes de información dispersa, duplicada o difícil de explotar. La IA obliga a replantear seriamente el gobierno del dato y la calidad de los sistemas de información.

9. Diseñar para adoptar y escalar

Muchas iniciativas fracasan porque se diseñan únicamente pensando en la tecnología y no en cómo será utilizada por las personas. La adopción real requiere simplicidad, integración natural y valor evidente para el usuario.

Además, construir para escalar significa pensar desde el inicio en seguridad, mantenimiento, interoperabilidad y operación continua. Los pilotos son relativamente fáciles. Escalar a toda una organización es el verdadero desafío.

10. Sin confianza no hay IA sostenible

La confianza será uno de los factores más importantes de esta década. Explicabilidad, privacidad, sesgos, seguridad, protección del dato o gobernanza marcarán la diferencia entre soluciones utilizables y soluciones problemáticas.

Cada vez más regulaciones, como el AI Act europeo, apuntan precisamente hacia esta dirección: no basta con que la IA funcione; también debe ser confiable, auditable y responsable.

11. La era de los agentes ya está empezando

Uno de los conceptos más interesantes es la llamada “ingeniería agéntica”. Sistemas capaces no solo de responder preguntas, sino de ejecutar tareas, coordinar acciones y operar de forma semiautónoma.

Esto puede transformar profundamente muchas operaciones empresariales: soporte, operaciones, análisis, programación o automatización documental. Pero también introduce nuevos retos de supervisión, control y responsabilidad.

12. Aprender continuamente será obligatorio

Quizá la última idea sea la más importante de todas: las organizaciones deberán reaprender constantemente. La velocidad de evolución tecnológica es tan alta que los conocimientos caducan cada vez más rápido.

La formación ya no puede entenderse como algo puntual. Las empresas necesitarán construir culturas de aprendizaje continuo capaces de adaptarse permanentemente a nuevas herramientas, procesos y modelos operativos.

Conclusión

La inteligencia artificial está dejando de ser únicamente una revolución tecnológica para convertirse en una revolución organizativa. Y probablemente esta sea la razón por la que tantas empresas todavía no consiguen capturar todo su potencial.

La diferencia no la marcarán únicamente los modelos más avanzados. La marcarán las organizaciones capaces de combinar tecnología, liderazgo, datos, velocidad, confianza y aprendizaje continuo.

Porque al final, la IA no sustituirá a las empresas. Pero sí puede sustituir a las empresas que no sean capaces de transformarse.


miércoles, septiembre 02, 2026

Quote sobre la disrupción en las start-ups (leído en" Enamórate del problema, no de la solución" de Uri Levine) #UriLevine #Levine #quote #disrupcion #startups #problema #solucion

 En el post de hoy quiero que leáis la siguiente quote que aparece en el recomendable libro titulado Enamórate del problema, no de la solución, de Uri Levine sobre la disrupción en las startups.

Cuando hablamos de disrupción, solemos pensar inmediatamente en tecnología. Sin embargo, Levine propone una idea diferente: 

"la verdadera disrupción no consiste en una nueva tecnología, sino en cambiar el equilibrio del mercado y la forma en que las personas se comportan o hacen negocios".


En muchos casos, la tecnología es solo el vehículo. Lo que realmente transforma un sector es un nuevo modelo que altera las reglas del juego.

Un ejemplo claro es la gratuidad. Ofrecer un servicio gratuito, cuando antes era de pago, puede cambiar por completo las dinámicas de un mercado. De repente, las expectativas de los usuarios cambian, los modelos de negocio se reinventan y los actores establecidos se ven obligados a reaccionar.

Curiosamente, la disrupción rara vez viene de quienes dominan el mercado. Las grandes compañías tienen demasiado que perder: ingresos actuales, clientes consolidados o modelos de negocio que todavía funcionan. Por eso, los verdaderos agitadores suelen ser los recién llegados, quienes no están condicionados por el pasado.

Desde la perspectiva de Levine, la disrupción no debería verse como una amenaza, sino como una oportunidad. Cada transformación del mercado abre nuevos espacios para crear valor y resolver problemas de formas diferentes.

Eso sí, hay algo que casi siempre acompaña a quienes intentan cambiar las reglas: escuchar una y otra vez la misma frase.

“Eso nunca funcionará”.

En muchos casos, esa frase es precisamente la señal de que se está intentando algo realmente nuevo.


martes, septiembre 01, 2026

Vídeo: Disco 2000 by Pulp - live on Mad Cool festival 2026 #Disco2000 #Pulp #music #concierto #video #MadCool #MadCool26 #MadCool2026

En el post de hoy os quiero mostrar un vídeo de Luis Farré que encontré en Youtube de la canción Disco 2000 del concierto de Pulp que tuvo lugar en el Mad Cool 2026. Recordar que tuve la oportunidad de asistir a este concierto y además hice crónica en: Mad Cool 2026 5/5: PULP - Nick Cave & The Bad Seeds (by Emeshing.com)

Pulp (4K) - Disco 2000, Madrid, 11 July 2026, Mad Cool Festival (by Luis Farré)



Letra de la canción Disco 2000 by Pulp:

Oh, we were born within an hour of each other
Our mothers said we could be sister and brother
Your name is Deborah, Deborah
It never suited you

And they said that when we grew up
We'd get married and never split up
Oh, we never did it
Although I often thought of it

Oh, Deborah, do you recall?
Your house was very small
With wood-chip on the wall
When I came round to call
You didn't notice me at all

And I said: Let's all meet up in the year 2000
Won't it be strange when we're all fully grown?
Be there 2 o'clock by the fountain down the road
I never knew that you'd get married
I would be living down here on my own
On that damp and lonely thursday years ago

You were the first girl at school to get breasts
And martin said that you were the best
Oh, the boys all loved you, but I was a mess
I had to watch them try and get you undressed
We were friends and that's as far as it went
I used to walk you home sometimes but it meant
Oh, it meant nothing to you
'Cause you were so popular

Deborah, do you recall?
Your house was very small
With wood-chip on the wall
When I came round to call
You didn't notice me at all

And I said: Let's all meet up in the year 2000
Won't it be strange when we're all fully grown?
Be there 2 o'clock by the fountain down the road
I never knew that you'd get married
I would be living down here on my own
On that damp and lonely thursday years ago

Do it

Oh, yeah, oh, yeah

And now it's all over
You've paid your money and you've taken your choice
And I know we'll never meet again
But, Deborah
I just wanted you to know I remember every single thing

Deborah, do you recall?
Your house was very small
With wood-chip on the wall
When I came round to call
You didn't notice me at all

And I said: Let's all meet up in the year 2000
Won't it be strange when we're all fully grown?
Be there 2 o'clock by the fountain down the road
I never knew that you'd get married
I would be living down here on my own
On that damp and lonely thursday years ago

Oh, what are you doing sunday, baby?
Would you like to come and meet me, maybe?
You can even bring your baby

Oh, what are you doing sunday, baby?
Would you like to come and meet me, maybe?
You can even bring your baby

lunes, agosto 31, 2026

Quote de Thomas Edison sobre el fracaso y la innovación (leído en "Enamórate del problema, no de la solución" by Uri Levine)

 En el camino de crear algo nuevo, el fracaso suele interpretarse como un error. Pero muchos de los grandes innovadores lo han visto de otra manera: como parte imprescindible del proceso.

En Enamórate del problema, no de la solución, Uri Levine recuerda una famosa reflexión de Thomas Edison que ilustra perfectamente esta mentalidad y da nombre al título del libro:

Enamórate del problema, no de la solución
No he fracasado setecientas veces. Ni siquiera he fracasado una. Lo que he conseguido es demostrar que esas setecientas maneras no funcionan. Cuando haya eliminado todas las maneras que no funcionan, habré descubierto la manera que sí funciona.” 

by Thomas Edison

La idea es especialmente relevante en el mundo de las start-ups. Cuando se intenta resolver un problema nuevo, rara vez existe un camino claro desde el principio. Lo normal es probar, equivocarse, aprender y volver a intentar.

Cada intento fallido no es un paso atrás, sino información valiosa sobre lo que no funciona.

Y esa acumulación de aprendizaje —a veces tras decenas o cientos de iteraciones— es lo que finalmente permite encontrar la solución correcta.

Quizá por eso uno de los principios más repetidos en el emprendimiento es también uno de los más sencillos: enamórate del problema… y sigue intentando hasta resolverlo.


domingo, agosto 30, 2026

Guernica de Picasso - el grito contra la guerra #Guernica #Guernika #Picasso #PabloPicasso #grito #guerra #GuerraCivil #war #paz #peace

 El Guernica es probablemente la obra más conocida de Pablo Picasso y uno de los grandes símbolos universales contra la guerra. Fue pintado en 1937, en plena Guerra Civil española, después del bombardeo de la localidad vasca de Gernika por la aviación alemana e italiana, aliada del ejército franquista. El ataque destruyó buena parte de la población y causó numerosas víctimas civiles. Picasso, que residía entonces en París, recibió el encargo de crear una gran pintura para el pabellón de la República española en la Exposición Internacional de París. Tras conocer la noticia del bombardeo, decidió convertir aquel enorme lienzo en una denuncia de la violencia y del sufrimiento provocado por la guerra.


El cuadro está pintado únicamente en negro, blanco y diferentes tonalidades de gris. Esta ausencia de color recuerda a las fotografías de los periódicos de la época y aumenta la sensación de tragedia. Todo parece roto, desordenado y en movimiento. Los cuerpos aparecen deformados, las caras gritan y los personajes se mezclan dentro de un espacio cerrado y asfixiante. Picasso no quiso representar el bombardeo de forma realista, con aviones o explosiones, sino mostrar sus consecuencias emocionales: el miedo, el dolor, la desesperación y la muerte.

En el centro aparece un caballo herido, atravesado por una lanza y con la boca abierta en un grito. Suele interpretarse como la representación del pueblo que sufre, aunque Picasso nunca quiso ofrecer una explicación definitiva. A la izquierda se encuentra el toro, una figura habitual en su obra, que puede simbolizar la brutalidad, la resistencia o incluso la propia España. Debajo, una madre sostiene a su hijo muerto y grita mirando hacia arriba. La escena recuerda a una Piedad, pero transformada en una imagen moderna del sufrimiento de las víctimas inocentes.

También aparecen un soldado descuartizado, varias mujeres que huyen o piden ayuda y una figura que sostiene una lámpara. En la parte superior destaca una bombilla con forma de ojo, cuya interpretación continúa abierta: puede ser una referencia a la tecnología utilizada para destruir, a la mirada de quienes presencian la tragedia o a una luz que revela aquello que algunos preferirían ocultar. Esta ambigüedad es importante porque convierte el cuadro en algo más que una ilustración de un acontecimiento concreto.

El Guernica no muestra héroes, generales ni vencedores. Sus protagonistas son civiles, madres, niños, animales y personas indefensas. Picasso elimina cualquier sensación de gloria militar y presenta la guerra como un escenario caótico en el que todos pierden. Por eso la obra ha superado su contexto histórico y se ha convertido en una imagen aplicable a cualquier conflicto armado.

Más que explicar exactamente qué ocurrió en Gernika, Picasso quiso que el espectador sintiera el horror de la violencia. El cuadro funciona como un gran grito colectivo, una obra incómoda que obliga a mirar de frente el sufrimiento humano. Su mensaje sigue siendo actual: detrás de cada guerra hay personas que pierden su hogar, su familia y su vida. Esa capacidad para convertir un episodio concreto de la Guerra Civil en una denuncia universal es lo que hace del Guernica una de las obras más poderosas del arte del siglo XX.


TED-ED: ¿En qué piensa realmente El pensador? (by Noah Charney) #TEDED #TheThinker #thinker #pensador #escultura #Rodin

Y en el post de hoy os propongo saber más sobre ¿En qué piensa realmente El pensador? muy famosa por Rodin...

Sentado, inclinado hacia delante y con la barbilla apoyada sobre la mano, El pensador de Auguste Rodin se ha convertido en el símbolo universal de la reflexión. Sin embargo, la escultura nació con un significado mucho más concreto.

Rodin la concibió como parte de La puerta del Infierno, una obra monumental inspirada en la Divina comedia de Dante. Por tanto, aquel hombre no meditaba sobre cualquier asunto, sino que contemplaba el sufrimiento y la condena de la humanidad.

En este vídeo de TED-Ed, el historiador del arte Noah Charney explica la historia oculta detrás de una de las esculturas más reconocibles del mundo.

What is "The Thinker" actually thinking about? - Noah Charney




Get to know Auguste Rodin’s infamous sculpture “The Thinker,” and find out who was the inspiration for this masterpiece. -- Contrary to popular belief, "The Thinker" sculpture isn’t just a universal symbol of eternal contemplation. French sculptor Auguste Rodin intended it to represent a specific person— and fit into a much larger piece featuring the fiery pits of Hell. So, who was "The Thinker," and what was he actually thinking? Noah Charney digs into the secrets of this infamous work of art. Lesson by Noah Charney, directed by Avi Ofer. Support Our Non-Profit Mission ---------------------------------------------- Support us on Patreon: http://bit.ly/TEDEdPatreon Check out our merch: http://bit.ly/TEDEDShop

sábado, agosto 29, 2026

Vídeo de Rest My Chemistry by Interpol - live on Mad Cool festival 2026 #Interpol #RestMyChemistry #MadCool #live #concierto #musica

Tuve la oportunidad de ver el concierto de Interpol en el marco del Mad Cool 2026 (ver post Mad Cool 2026 3/5 (Viernes 10/7/2026): entre el Mundial, el rock y una noche para recordar (by Emeshing.com), y quizás esta es la canción que me gusta más de este grupo de Manhattan (New York - USA).

Interpol (4K) - Rest My Chemistry , Madrid, 10 July 2026, Mad Cool Festival (by Lluís Farré)




A continuación la letra de la canción Rest My Chemistry de Interpol:

I haven't slept for two daysI've bathed in nothing but sweatAnd I've made hallwaysScenes for things to regretMy friends, they comeAnd the lines, they go by
Tonight, I'm gonna rest my chemistryTonight, I'm gonna rest my chemistry
I live my life filled with no painJust some rage and three kinds of yesAnd I've made stairwaysSuch scenes for things that I regretOh, those days in the sunThey bring a tear to my eye
Tonight, I'm gonna rest my chemistryTonight, I'm gonna rest my chemistry
But you're so youngYou're so youngYou look in my eyesYou're so youngSo sweet, so surprised
See a sign, it says, "Okay"Gotta take a ride, just reclineIn the farawayGot to take some time to realizeThat my friends, they comeAnd the lines, they go by
Tonight, I'm gonna rest my chemistryTonight, I'm gonna rest my chemistry
But you're so youngYou're so youngYou look in my eyesYou're so youngSo sweet, so suprised
You look so youngLike a daisy in my lazy eye
Tonight, I'm gonna rest my chemistryTonight, I'm gonna rest my chemistryTonight, I'm gonna rest my chemistryTonight, I'm gonna rest my chemistry


viernes, agosto 28, 2026

Quote sobre el fichaje de Johan Cruyff (leído en el libro "La vida en directe" de Lluís Canut) #quote #libro #futbol #fcbarcelona #cruyff #historia #liderazgo #deporte #reflexion

 A veces, los grandes cambios en la historia del fútbol no nacen únicamente del talento sobre el césped, sino de movimientos silenciosos en los despachos. Este pasaje es del recomendable libro de Lluís Canut Permanyer titulado "La vida en directe: 50 anys del millor periodisme esportiu"

El fichaje de Johan Cruyff para el Futbol Club Barcelona no fue solo una operación deportiva, sino la consecuencia de un contexto convulso, marcado por irregularidades, tensiones políticas y una lucha estratégica por redefinir las reglas del juego.

“El fitxatge. Era una sinopsi sobre la gestació del fitxatge de Johan Cruyff l’estiu del 1973, que arrancava amb l’escàndol dels oriundos, futbolistes sud-americans que, a l’inici de la dècada dels setanta, van arribar per la porta del darrere al futbol espanyol. Es tractava d’una trama de passaports falsificats i funcionaris corruptes de delegacions a Sud-amèrica (Buenos Aires i Asunción). La documentació facilitava la nacionalitat espanyola gràcies a una suposada ascendència fraudulenta. La negativa de les autoritats del règim de tramitar la naturalesa espanyola de Juan Carlos Milonguita Heredia per fitxar pel FC Barcelona va fer que la directiva del club blaugrana, presidida per Agustí Montal, enviés un advocat fins a la capital argentina. Es tractava de Miquel Roca i Junyent. El prometedor lletrat, després de deu dies d’investigació, va poder demostrar la dimensió de l’escàndol amb un informe documentat, El dosier de los oriundos, que demostrava que mig centenar de jugadors havien jugat amb identitats falsificades. Alguns havien arribat a debutar amb la selecció d’Espanya, com va ser el cas de Rubén Valdez o Roberto Martínez. Aquesta prova va permetre al Barça forçar la Delegación Nacional de Deportes a obrir les fronteres a dos futbolistes estrangers per club. Deia, doncs, que El fitxatge va ser l’última idea original a TV3, una coproducció amb JWP, dirigida per David Fernández de Castro, dividida en dos capítols que es van estrenar a 3Cat i Prime Video.”

Traducción:

“El fichaje. Era una sinopsis sobre la gestación del fichaje de Johan Cruyff en el verano de 1973, que comenzaba con el escándalo de los oriundos, futbolistas sudamericanos que, a inicios de los años setenta, llegaron por la puerta de atrás al fútbol español. Se trataba de una trama de pasaportes falsificados y funcionarios corruptos en delegaciones en Sudamérica (Buenos Aires y Asunción). La documentación facilitaba la nacionalidad española gracias a una supuesta ascendencia fraudulenta. La negativa de las autoridades del régimen a tramitar la nacionalidad española de Juan Carlos “Milonguita” Heredia para fichar por el FC Barcelona llevó a la directiva del club, presidida por Agustí Montal, a enviar un abogado a la capital argentina: Miquel Roca i Junyent. El prometedor letrado, tras diez días de investigación, logró demostrar la magnitud del escándalo con un informe documentado, “El dosier de los oriundos”, que probaba que medio centenar de jugadores habían competido con identidades falsificadas. Algunos incluso llegaron a debutar con la selección española, como Rubén Valdez o Roberto Martínez. Esta prueba permitió al Barça forzar a la Delegación Nacional de Deportes a abrir las fronteras a dos futbolistas extranjeros por club. Así, “El fitxatge” fue la última idea original en TV3, una coproducción con JWP, dirigida por David Fernández de Castro, dividida en dos capítulos que se estrenaron en 3Cat y Prime Video.”

Este episodio demuestra que detrás de uno de los fichajes más icónicos de la historia del fútbol moderno hubo mucho más que una decisión deportiva. Fue una combinación de contexto político, investigación jurídica y visión estratégica. La llegada de Cruyff no solo transformó al Barça en el campo, sino que simbolizó una apertura en un sistema cerrado, marcando un antes y un después tanto en el club como en el fútbol español.



jueves, agosto 27, 2026

Dalí antes de ser Dalí: una naturaleza muerta llena de misterio #Dali #SalvadorDali #naturaleza #muerta #artista #arte #art #pintura #paint #cuadro

 Cuando pensamos en Salvador Dalí, lo primero que suele venirnos a la cabeza son los relojes blandos, los paisajes imposibles, los sueños y ese personaje extravagante de bigote perfectamente diseñado. Sin embargo, esta Naturaleza muerta, pintada en 1924, nos muestra a un Dalí muy distinto: un artista de apenas veinte años que todavía estaba buscando su propio lenguaje y experimentando con algunas de las corrientes más innovadoras de su tiempo.

La obra, también conocida como Sifón y botella de ron, fue realizada durante los años en que Dalí vivía en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde coincidió con figuras como Federico García Lorca y Luis Buñuel. Aquel ambiente fue fundamental para su formación. Dalí absorbía influencias del cubismo, de las nuevas formas de realismo y, especialmente, de la pintura metafísica italiana, representada por artistas como Giorgio de Chirico, Carlo Carrà y Giorgio Morandi.


Una mesa que parece un escenario

La escena representa una mesa con diferentes objetos: un sifón, una botella, unas peras, unos pequeños recipientes y varias formas geométricas difíciles de identificar. Sin embargo, Dalí no organiza estos elementos como en un bodegón tradicional. Los coloca como si fueran personajes inmóviles dentro de un escenario teatral.

El espacio está construido mediante líneas muy marcadas, planos superpuestos y una arquitectura casi vacía. La perspectiva parece lógica, pero al mismo tiempo tiene algo extraño. Las paredes, las puertas y las sombras crean una sensación de profundidad fría y silenciosa. Todo está quieto, demasiado quieto, como si algo hubiera ocurrido justo antes de que nosotros llegáramos o estuviera a punto de suceder.

Los objetos más cotidianos pierden así su función habitual. Una pera ya no es solamente una fruta y una botella deja de ser simplemente una botella. Al quedar aislados dentro de este espacio geométrico, adquieren una presencia inquietante, casi misteriosa.

Entre el cubismo y la pintura metafísica

La influencia del cubismo se aprecia en la simplificación de las formas y en la manera de construir la imagen mediante bloques y volúmenes. Sin embargo, Dalí no fragmenta completamente la realidad como hicieron Picasso o Braque. Los objetos siguen siendo reconocibles, aunque aparecen reducidos a estructuras muy básicas.

La atmósfera pertenece más claramente a la pintura metafísica. Los artistas de esta corriente intentaban mostrar el lado enigmático de las cosas comunes: plazas vacías, edificios silenciosos, estatuas y objetos aparentemente desconectados. Sus cuadros no explicaban una historia concreta, pero transmitían la sensación de que detrás de la realidad visible existía algo oculto.

Dalí adopta esa misma idea. La pintura no pretende representar una comida ni una escena doméstica. Es más bien una composición mental, un espacio donde la realidad se ha ordenado siguiendo una lógica extraña y personal.

¿Qué mensaje transmite el cuadro?

No existe un único significado cerrado, pero la obra parece hablar de la transformación de lo cotidiano en algo misterioso. Dalí nos invita a mirar los objetos habituales de una manera diferente. Al separarlos de su contexto y combinarlos con figuras geométricas, consigue que aquello que conocemos resulte inesperado.

También puede interpretarse como una reflexión sobre el propio acto de pintar. El artista convierte la mesa en un pequeño laboratorio donde experimenta con la forma, el espacio, la perspectiva y el color. No busca copiar la realidad, sino construir una nueva realidad sobre el lienzo.

La paleta de tonos grises, marrones y verdes refuerza la sensación de silencio. Los colores más intensos —el azul, el rojo o el turquesa— aparecen concentrados en el centro, dirigiendo nuestra mirada hacia esa especie de arquitectura compuesta por objetos. Parece casi una ciudad en miniatura o una máquina cuya función desconocemos.

Un cuadro unido a Federico García Lorca

La historia de la pintura añade un componente especialmente interesante. Dalí la expuso en su primera exposición individual, celebrada en las Galerías Dalmau de Barcelona en 1925, y también en la Primera Exposición de la Sociedad de Artistas Ibéricos de Madrid.

Posteriormente se la regaló a Federico García Lorca, quien la tuvo colgada sobre su cama en la Residencia de Estudiantes. El gesto refleja la intensa amistad y complicidad artística que existió entre ambos. Lorca quedó fascinado por la pureza y la precisión del joven Dalí y le respondió con su conocida Oda a Salvador Dalí, publicada en 1926.

El Dalí que estaba a punto de aparecer

Esta naturaleza muerta todavía no pertenece plenamente al surrealismo que haría famoso a Dalí pocos años después. No encontramos imágenes oníricas explícitas ni figuras deformadas, pero ya aparece algo esencial en su obra: la capacidad de convertir un espacio aparentemente normal en un lugar incómodo, ambiguo y difícil de explicar.

Es, en definitiva, un Dalí en construcción. Un artista que ensaya, mezcla influencias y descubre que una simple botella, una pera y unas formas geométricas pueden resultar tan misteriosas como un sueño. El cuadro no grita ni busca llamar la atención, pero contiene el germen de ese universo inquietante que Dalí acabaría convirtiendo en una de las imágenes más reconocibles del arte del siglo XX.



miércoles, agosto 26, 2026

Quote sobre la emoción olímpica (leído en el libro "La vida en directo: 50 años del mejor periodismo deportivo" de Lluís Canut Permanyer)

Los grandes momentos del deporte suelen parecer espontáneos, pero detrás de ellos hay preparación, tensión y mucho silencio. La ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992 es uno de esos instantes que quedaron grabados para siempre en la memoria colectiva.

Como explica Lluís Canut en su libro, el último relevo de la antorcha antes del encendido del pebetero fue uno de los secretos mejor guardados de aquellos Juegos. Juan Antonio San Epifanio, el mítico Epi, recibió la confirmación apenas un día antes. Desde ese momento todo fue discreción absoluta: traslado casi clandestino al Estadi Olímpic Lluís Companys, ensayo general y la necesidad de sincronizar cada paso con la música de la ceremonia.

La escena tiene algo de íntimo y humano: uno de los mejores jugadores europeos de los años ochenta, en sus cuartos Juegos Olímpicos, pasando la noche en vela con un walkman para memorizar el ritmo exacto de su intervención.

Como relata el propio Lluís Canut en el recomendable libro  "La vida en directo: 50 años del mejor periodismo deportivo" :

“El Súper va demanar un walkman per poder-se aprendre el ritme musical de la seva intervenció, que estava ajustada al minut. El reconegut millor jugador europeu dels vuitanta, en els seus quarts Jocs Olímpics, no va poder dormir i es va passar la nit escoltant i memoritzant la banda sonora que l’acompanyaria fins a cedir el foc olímpic a l’arquer Antonio Rebollo.”

Aquel gesto aparentemente pequeño ayudó a que todo saliera perfecto. Instantes después, Epi entregaría la llama al arquero Antonio Rebollo, quien lanzaría la flecha que encendió el pebetero en una de las imágenes más icónicas de la historia olímpica:


 
Porque el deporte no solo se compone de récords y medallas. También de historias invisibles que, cuando se cuentan, nos recuerdan la emoción que hay detrás de cada momento legendario.

Que conste que yo hace 34 años estaba presente en este gran momento de la inauguración de los JJOO de Barcelona 92 y la flecha que lanzó con su arco Rebollo me pasó por encima, pues estaba sentado justo en esa zona del Estadi Olímpic.   


martes, agosto 25, 2026

Rostro del gran masturbador: Dalí convierte sus deseos y sus miedos en un paisaje #Dali #SalvadorDali #deseo #deseos #miedos #sueños #pintura #paint #cuadro #arte

 Este es uno de los cuadros más chulos de Salvador Dalí en el Museo Reina Sofia

Hay cuadros que se contemplan tranquilamente y otros que te obligan a acercarte para intentar descifrar qué demonios está pasando. Rostro del gran masturbador, pintado por Salvador Dalí en 1929, pertenece claramente al segundo grupo. A primera vista parece una acumulación de formas imposibles, cuerpos, animales e imágenes flotantes. Pero, en realidad, es una especie de autorretrato psicológico en el que Dalí expone sus deseos, sus obsesiones sexuales y también sus temores más profundos.

La obra fue realizada al final del verano de 1929, en un momento decisivo para el artista. Dalí acababa de conocer a Gala, entonces esposa del poeta Paul Éluard, durante una estancia en Cadaqués. La atracción entre ambos fue inmediata y aquella relación transformaría tanto su vida personal como su obra. Este cuadro refleja precisamente esa mezcla explosiva de deseo, fascinación, ansiedad y miedo que acompañó el inicio de su relación.


La enorme forma amarilla que domina la composición representa el perfil inclinado del propio Dalí. El ojo aparece cerrado y el rostro parece blando, casi vencido, como si estuviera atrapado en un sueño. De esta figura surge una mujer, normalmente identificada con Gala, a quien SalvadorDalí conoció ese mismo año y que se convertiría en su compañera y gran inspiración. La escena refleja la intensa atracción que sentía por ella, pero también sus inseguridades ante el deseo y la sexualidad.

El cuadro está lleno de elementos inquietantes. El gran saltamontes situado junto a la boca simboliza uno de los mayores temores del artista, mientras que las hormigas suelen relacionarse en su obra con la descomposición y la muerte. También aparecen un león, figuras diminutas, formas orgánicas y un lirio blanco, asociado tradicionalmente con la pureza. Dalí mezcla así ideas aparentemente opuestas: placer y angustia, deseo y rechazo, belleza y repulsión.

La obra fue creada en un momento decisivo, cuando Dalí empezaba a integrarse plenamente en el movimiento surrealista y exploraba el mundo de los sueños y del subconsciente. Lo más sorprendente es que pinta toda esta escena imposible con una técnica muy precisa y realista, haciendo que el delirio parezca casi verdadero.

El mensaje principal del cuadro es que el deseo no siempre resulta sencillo ni agradable. Puede atraer, pero también provocar miedo, ansiedad y pérdida de control. Dalí convierte esa lucha interior en una imagen espectacular y desconcertante, como si nos permitiera entrar directamente en uno de sus sueños más íntimos.


lunes, agosto 24, 2026

Quote sobre el ajuste producto-mercado (leído en "Enamórate del problema, no de la solución" by Uri Levine) #quote #ajuste #producto #mercado #empresa #startup #modelo #negocio #crecimiento

 Uno de los conceptos más repetidos en el mundo de las start-ups es el ajuste producto-mercado (Product-Market Fit). Y no es casualidad: encontrarlo suele marcar la diferencia entre una idea interesante y una empresa que realmente funciona.

En el recomendable libro Enamórate del problema, no de la solución, su autor Uri Levine lo explica de forma muy directa:

“Para construir una start-up exitosa, es necesario encontrar el ajuste producto-mercado (APM), el cual constituye, casi siempre, la primera parte del viaje, y también determinar nuestro modelo de negocio y, desde luego, asegurarnos una vía de crecimiento.”


La reflexión es simple, pero muy potente. Antes de pensar en escalar, levantar grandes rondas de financiación o expandirse a nuevos mercados, una start-up necesita demostrar algo fundamental: que existe una verdadera necesidad y que el producto la resuelve de forma clara.

Cuando el ajuste producto-mercado aparece, muchas señales cambian: los usuarios llegan con más facilidad, el producto se recomienda, y el crecimiento empieza a acelerarse.

Pero encontrar ese punto no suele ser inmediato. Es el resultado de iterar, aprender del mercado y ajustar continuamente el producto hasta que realmente encaja.

Porque al final, el verdadero comienzo de una start-up no es cuando se lanza el producto.
Es cuando el mercado demuestra que lo quiere.


domingo, agosto 23, 2026

Top 20 países del mundo en base a su calidad de vida 2026 (by VisualCapitalist) #paises #mundo #calidad #vida #ranking #top20

 Vía el artículo The Best Countries for Quality of Life in 2026 (by VisualCapitalist) os muestro a continuación un interesante ranking de paises en base a su calidad de vida en 2026.

Esta es la infografía de VisualCapitalist:


Como podéis ver en la infografía, el Top 20 países del mundo en base a su calidad de vida 2026 (by VisualCapitalist) es el siguiente:

1. Suecia — 100,0 puntos
2. Dinamarca — 98,2
3. Canadá — 95,0
4. Suiza — 94,8
5. Finlandia — 92,4
6. Noruega — 92,4
7. Países Bajos — 90,8
8. Australia — 87,5
9. Alemania — 82,9
10. Bélgica — 78,6
11. Austria — 76,7
12. Nueva Zelanda — 74,0
13. Reino Unido — 73,7
14. Japón — 73,4
15. Luxemburgo — 69,9
16. Irlanda — 63,5
17. Singapur — 61,6
18. Polonia — 59,6
19. España — 56,7
20. Francia — 56,2

TED-ED: Todo lo que necesitas saber antes de leer La Odisea (by Jill Dash) #LaOdisea #TEDED #Odissey

En el TED-ED de este domingo os propongo Everything you need to know to read Homer's "Odyssey" o Todo lo que necesitas saber antes de leer La Odisea, ahora que se ha puesto de moda la película...

Cíclopes, sirenas, dioses, monstruos marinos y un héroe que tarda diez años en regresar a casa. La Odisea, atribuida a Homero, es una de las grandes historias de aventuras de la literatura universal.

El poema narra el viaje de Ulises desde Troya hasta Ítaca, pero también habla de la inteligencia, la lealtad, la tentación y el deseo de volver al hogar.

En este vídeo de TED-Ed, Jill Dash ofrece algunas claves para acercarse a una obra escrita hace casi tres mil años que continúa influyendo en nuestra manera de contar historias.

Everything you need to know to read Homer's "Odyssey" - Jill Dash



Dig into Homer’s “Odyssey,” an epic poem which follows Odysseus on his perilous 10-year journey home after the Trojan War. -- An encounter with a man-eating giant. A sorceress who turns men into pigs. A long-lost king taking back his throne. On their own, any of these make great stories. But each is just one episode in the "Odyssey," a 12,000-line poem spanning years of ancient Greek history and legend. So how do we make sense of this massive text? Jill Dash shares everything you need to know to read Homer's "Odyssey.” Lesson by Jill Dash, animation by David Price. Support Our Non-Profit Mission ---------------------------------------------- Support us on Patreon: http://bit.ly/TEDEdPatreon Check out our merch: http://bit.ly/TEDEDShop

sábado, agosto 22, 2026

Fcukers - 'L.U.C.K.Y' (Official Video) #Fcukers #LUCKY #video #music #ShannyWise #JacksonWalkerLewis

Fcukers es un grupo de música electrónica y dance-punk formado en Nueva York por Shanny Wise y Jackson Walker Lewis, dos músicos vinculados desde hace años a la escena underground del Lower East Side. Su propuesta mezcla house noventero, electroclash, indie y una estética deliberadamente caótica que recupera parte de la esencia más cruda de la cultura club.

En este vídeo de L.U.C.K.Y, el grupo transmite perfectamente esa identidad nocturna y despreocupada que los está convirtiendo en uno de los nombres más interesantes de la nueva electrónica alternativa. Bases repetitivas, sintetizadores sucios y una sensación constante de espontaneidad construyen una canción pensada más para sentirse físicamente que para analizarse técnicamente.

Fcukers - 'L.U.C.K.Y' (Official Video)


Taken from 'Ö', released March 27, 2026 on Ninja Tune: https://fcukers.lnk.to/o-albumYo Subscribe: https://found.ee/fcukers-ys Shanny Wise - Director Yazz Jansen - DOP / Assistant Director Simon Parsons - Producer Kenji Sasai - Gaffer Nick Isaakson A/C Assistant Extras: Emma Parke Savannah Gallimore Samantha Chua Cindy Sha Jesse Carpenter Jasmyn Stretchman Lana Snah Danielle Lutz Chloé Wells Follow Fcukers: Spotify: https://found.ee/fcukers-sp Apple Music: https://found.ee/fcukers-am Amazon Music: https://found.ee/fcukers-aa YouTube: https://found.ee/fcukers-yt Tidal: https://found.ee/fcukers-td Deezer: https://found.ee/fcukers-dz Qobuz: https://found.ee/fcukers-qb Bandcamp: https://found.ee/fcukers-bc Soundcloud: https://found.ee/fcukers-sc Instagram: https://found.ee/fcukers-ig TikTok: https://found.ee/fcukers-tt Facebook: https://found.ee/fcukers-fb X (Twitter): https://found.ee/fcukers-tw Newsletter: https://found.ee/fcukers-ml #Fcukers #NinjaTune #IndieSleaze #Electroclash #BigBeat #TripHop #DancePunk #BrokenBeat #LoFiHouse #AlternativeDance #LeftfieldElectronic #ClubReady #RaveRevival